세계영화사
1. 개념 및 정의
뤼미에르 형제
영화의 역사는 1895년 12월 28일 프랑스 파리 그랑카페의 지하 인디안 살롱에서 프랑스의 뤼미에르 형제가 시네마토그래프(cinematographe)를 공개하면서 시작되었다. 상영장소는 서커스 무대 같은 초라한 곳이었다. 매체로서는 오락수단으로 출발했으나 교육, 선전(propagandar), 과학 연구의 목적으로 확대되었고, 내용으로서는 본래 가벼운 희극(vaudeville)으로 시작했으나 통속드라마, 강연교재 등의 요소가 뒤섞이며 빠르게 예술적인 차별성을 갖추게 되었다.
영화는 고증을 통하여 시대의 풍속과 무대를 재현하며 당시 사람들의 일상생활을 묘사한다. 영화 역사란 영화의 발전을 기록하는 영화연구의 한 분야이며 역사상 한 시대에 실제로 일어난 일을 다루는 영화의 기록물이다. 이어 영화 역사 연구란 영화의 속에 그려진 과거사를 기술하는 방법론과 기술방법과 관련된 이론이 존재하는가를 탐구하는 것으로 볼 수 있다. 영화 역사에 대한 학문적 연구는 제2차 세계대전 전까지만 하더라도 부분적인 서술이 나타난 데 불과했으나, 종전 이후에는 전면적이고도 과학적인 추구가 시작되었다.
영화 역사의 개념을 세계영화사(世界映畵史, history of world film)로 확대해보면 세계영화사란 영화가 탄생한 이래 지금까지의 세계영화를 역사적으로 중요한 개별 영화 또는 감독, 주요 영화사적 사건 및 주요 사조, 오락·산업·예술 사이의 충돌과 조화의 과정 등을 기준으로 체계적으로 분류하는 것으로 정의 해 볼 수 있다.
세계영화사는 범위가 너무 방대하여 명확하게 정의된 것을 확인하기 어렵다. 단 세계영화사에 관한 주요 저서를 기준으로 개념을 알아보면 전 세계 80명 이상의 영화학자와 영화 평론가들을 참여하여 만든 대표적인 세계영화사 서적인 『옥스퍼드 세계영화사』에서는 주요 영화 강대국들의 영화나 영화 운동, 탁월한 몇몇 개인들의 이력에 초점을 맞추어 서술되었고, 임정택의 『세계영화사 강의』에서는 영화의 역사를 문화·예술사적인 시각에서 서술했다. 잭 씨 앨리스는 『세계영화사』에서는 개별 영화, 여성 영화, 각 주요 국가별 영화사 발전과정, 영화 산업의 흐름 분석 등을 기준으로 분류하였다.
2. 접근방법 및 주요 연구영역
영화 역사의 연구 목적은 영화를 통해 과거의 역사를 읽는 방법, 영화가 역사를 표현하는 방식의 종류, ‘영화는 과연 왜곡된 역사를 다시 새롭게 해석할 수 있는가’ 하는 등의 문제를 다양하고 깊이 있게 연구하는 것이다. 이런 배경을 고려할 때 영화의 역사를 이해하지 못하고 영화를 본 다는 것은 마치 맥락(context)을 모르면서 텍스트(text)를 알려는 것과 마찬가지로 생각된다, 영화를 정확하게 이해하기 위해서는 역사라는 맥락하에 바라보아야 한다.
영화사의 연구대상 분류는 개별 영화발달사, 특정 감독 영화발달사, 장르기준 영화발달사, 특정 국가의 영화발달사, 영화운동과 이론에 미친 역사, 산업과 기술의 발달사 그리고 시기별 발달사로 구분된다.
일부 영화 역사가들은 다양한 기준의 영화사가 존재하며 각각의 역사는 특별한 관심, 경향, 편견에 의해 정의 된다고 주장한다. 영화 역사에 대한 연구의 접근 방법은 크게 시대 별로 일어난 일을 다루는 역사 영화(historical film)와 영화 기술의 발달이 영화예술에 영향을 미치는 영화 기술 역사(history of film technology)로 대별할 수 있다. 추가적으로 예술적 측면에서의 미학적 영화사와 산업적 관점에서의 경제적 영화사 등으로 세분화할 수 있다.
① 사회사적 영화사
당시 관객들의 사회적 현상과 주요 관심사를 관점으로 하여 기술하는 영화 역사이다. 관객의 가치관, 욕망, 두려움 등이 반영되는 영화사로 주로 관객들에게 관심이 많다. 그들은 영화는 집단 경험이 중시하고 주어진 시대의 대중 정서의 반영이라고 강조한다. 또한 그들은 스타에 관심이 많은데 인기 스타가 영화에 대한 가치와 열망을 반영한다고 주장하며 영화가 흑인, 여성, 권위 있는 인물들을 어떻게 그리는가 하는 사회 관행에도 많은 관심이 있다.
② 기술적 관점의 영화사
기술의 발달이 영화 예술에 미친 영화 역사이다. 발명과 기계측면으로 활동사진을 보는 관점이다. 미국 플로리다 주립대 교수인 레이몬드 필딩(Raymond Fielding)은 기술적 관점의 영화사를 ‘영화의 역사는 예술형식으로서, 커뮤니케이션 매체로서, 그리고 산업으로서 기술적 혁신에 의해 주로 결정 된다’고 했다. 제프리 노웰 스미스(Geoffrey Nowell Smith)는 『세계영화사』에서 ‘영화는 기술적 특성에 따라 정의되는 예술 형태’라고 하였다. 이들은 포터블 카메라, 동기음향, 3D, 스테레오 사운드, 스테디 캠 같은 기술혁신의 예술적, 상업적, 이데올로기적 의미에 관심을 갖는다. 영화 기술사에서는 영화 기술과 역사를 포괄적이면서도 핵심적으로 담고 있다. 기술적 측면에서의 영화사에 획기적 전기가 된 것은 유성영화 등장과 컬러의 도입, 디지털 개념의 보편화 등으로 볼 수 있다.
③ 미학적 관점의 영화사
초창기 영화의 예술 형태는 매우 원시적이었다. 서사적(narrative)이며 허구적인(fictional)매체로서 자리 잡고서야 비로소 예술로서의 미학이 언급되기 시작했다. 예술로서의 영화사는 주로 걸작과 거장들의 전통에 관심이 많다. 엘리트주의적인 미학적 역사가들은 작품을 주로 예술적 풍요로움의 입장에서만 평가하고 그 영화가 상업적인 성공 여부에는 상관치 않는 경향이 있다.
④ 경제적 관점의 영화사
영화 역사를 산업으로 보는 관점이다. 영화는 역사상 가장 값비싼 예술매체이고 그 발전은 재정적인 스폰서에 의존해 왔다. 경제적 영화사의 대표적인 사례는 세계영화 산업의 중심인 할리우드의 영화사로 볼 수 있다. 미국의 영화 산업은 자본주의적 생산체계 내에서 발전했다. 할리우드 스튜디오 시스템을 통해 극영화 제작을 독점하고 이익을 극대화하려는 메이저사들의 영화 발전사이기도 하다. 그들은 1925년에서 55년까지 약 30년간 미국 극 영화의 90%를 제작했고 제작, 배급, 상영 세 부분 모두 통제하며 성장한 역사이다. 지금까지도 미국 영화 산업 및 세계영화 산업에 엄청난 영향력을 행사하며 발전을 계속하고 있다.
3. 세계영화의 역사
영화의 기원은 3, 4만년 전의 인간들이 그렸다는 구석기시대 유적인 남프랑스의 라스코(lascaux)동굴의 동물벽화로부터 시작되었다. 비록 정적이지만 인류가 언어 이전에 영상을 발견했고 동적인 것을 표현하려는 강렬한 의지를 가졌음을 보여 준다. 인류의 영화적 표현을 향한 꿈은 그 뒤 환등, 그림자극, 잔상(殘像) 현상을 이용한 장난감이나 움직이는 그림, 사진 등으로 구체화되었다.
1) 영화기술의 성립(1895년~1905년)
조르주 멜리에스(Georges Méliès, 1861~1938)
(1) 활동사진의 등장
영화를 최초로 발명한 사람은 형 오귀스트 마리 루이 니콜라 뤼미에르(Auguste Lumière)와 동생 루이 뤼미에르(Louis Lumière) 프랑스 뤼미에르 형제이다. 1895년 12월 28일 그랑카페에서 뤼미에르 형제는 카메라와 영사기가 일체형인 시네마토그래프(Cinematograph)를 만들어 최초로 대중에게 스크린을 통해 선 보였고 움직이는 이미지의 촬영과 대중적 상영이라는 오늘날 영화와 유사한 최초의 영화로 인정받게 되었다.
미국의 발명왕 토머스 엘버 에디슨(Thomas Alva Edison)도 움직이는 이미지를 촬영하는 키네토그래프(Kinetograph)와 개인 감사용 키네토스코프(Kinetoscope)라는 접안 장치로 구성된 발명품을 소개했다. 에디슨은 사운드 도입과 최초 컬러 영화 탄생에 크게 기여했다.
뤼미에르가 대중의 일상을 다룬 리얼리즘 영화의 창시자라면, 조르주 멜리에스(Georges Méliès)는 표현주의 영화의 창시자로 볼 수 있다. 멜리에스는 최초로 시나리오를 활용하고 하여 특수효과에 문학적, 연극적 요소들을 가미하여 내러티브를 도입한 영화를 만들었다. 그의 대표작 〈달나라여행(Voyage to the Moon)〉은 상영시간 13분, 30여 숏으로 구성된 최초의 ‘공상과학 영화’로 일컬어진다.
2) 예술로서의 영화 성장(1906년~1915년)
(1) 필름다르 운동
프랑스의 필름다르(Film d’Art)라는 영화사는 유명한 연극 배우들이 등장한 성공적인 연극들을 영화화한 최초의 영화사였다. 필름다르는 전체 연극의 상연을 그대로 기록하기 위해 열두 번째 열 중앙에 카메라를 배치하고 연극의 배경과 배우의 ‘들여다보기’ 연기를 하나의 숏으로 촬영하였다.
(2) 이태리의 스펙터클 영화
이태리 최초의 스펙터클 영화는 〈폼페이 최후의 날(The Last Day of Pompeii)〉이며 〈쿼 바디스(Quo Vadis)〉도 대단히 성공적인 영화였다. 이태리 스펙터클 영화는 거대한 세트와 석고모형이 사용되었다. 생동하는 연기와 촬영기법 그리고 특별히 작곡된 교향악과 함께 미국영화의 장편영화 제작에 절대적인 영향을 미쳤다. 당시 세계영화시장의 주도권은 이태리가 거머쥐었으나 얼마 후 발발한 제1차 세계대전에 의해 상실되고 할리우드가 주도권을 행사하게 되었다.
3) 전달매체로서 표현기법 확립(1916년~1925년)
(1) 미국영화의 스펙타클
미국의 영화감독 데이비드 그리피스(David Wark Griffith)감독의 〈국가의 탄생(The Birth of Nations)〉과 〈인톨러런스(Intolerance)〉는 전례가 없는 미국영화의 대표적인 스펙터클 영화이다. 이는 1920년대 미국 무성영화의 대표적 표현기법이다.
(2) 독일의 표현주의 영화
독일의 표현파 영화들은 사회적 현실로부터 탈피하여 심리학적 표현에 더 관심을 기울였다. 이를 위해 카메라 테크닉이나 조명, 무대장치, 연기 그리고 대본 등에서 혁신적인 기법을 사용했다. 예술적 완성도를 통해 독일의 이미지를 세계에 과시하고자 하는 독일정부의 정책과 일치되어 독일의 표현파 영화는 국가적 영화로 성장하게 되었다.
(3) 소련의 몽타주 영화
1917년 세계 최초로 등장한 사회주의 정권은 새로운 사회 건설을 독려했다. 영화를 선전매체로 적극 활용함으로써 소련의 영화 역사가 시작되었다. 세르게이 에이젠스테인(Serge Eisenstein), 푸돕킨(Vsevolod Illarionovich Pudovkin) 등 혁명세대 감독들의 극영화와 지가 베르토프(Dziga Vertov)의 실험적 다큐멘터리가 다수 등장하면서 1920년대 소련 영화의 전성기를 맞이했다. 세르게이 에이젠스테인의 〈전함 포템킨(Potemkin)〉은 충돌 몽타주의 고전이자 진수가 되었다
(4) 프랑스 예술영화
1920년대의 프랑스의 인상주의 영화 예술가들은 카메라와 세트 구성을 주관적으로 사용하여 영화의 시각적 내용을 강조하였다. 그들의 영화에는 소프트 포커스, 이중 인화, 극단적인 카메라 앵글 등이 자주 나타난다. 인상주의 영화 작가들과 함께 작업하면서 그 이상으로 기술적이며 형식적 실험을 시도한 제2의 아방가르드(avant-grade)그룹의 영화운동이 1925년을 전후해서 시작되었다. 1920년대 말 프랑스의 아방가르드 영화가 종말을 고하면서 1930년대 유럽의 기록영화가 등장했다.
4) 유성영화 시대 도래(1926년~1935년)
1929년 월가 증권시장의 붕괴로 시작된 미국의 대공황(the great depression)은 대중들의 삶이 궁핍해졌지만 역설적으로 관객은 영화를 더 보게 되었다. 오히려 위상이 강화된 할리우드 영화 산업은 기술, 자본, 흥행 면에서 더욱 확대되었다. 영화〈재즈 가수〉가 성공을 거두면서 음성 영화가 정착되었다. 1930년대 미국영화의 특징적인 장르는 뮤지컬, 웨스턴, 연애 코미디, 갱스터 등 당대 현실과는 유리된 도피주의적 오락물이 중심이 되었다. 1932년부터 시작된 후시녹음의 기술방식은 1935년 옵티컬 사운드(optical sound)1) 녹음으로 영화의 예술적 성숙도를 높였다.
5) 미국영화 산업화 시대(1936년~1945년)
제 2차 세계대전 중의 할리우드는 1930년대의 희극물, 로맨스, 가족드라마 그리고 뮤지컬 영화들을 계속 제작하였다. 좋은 예는 전쟁에 대한 분위기가 적당히 가미된 마할리 커티즈(Michael Curtiz)의 〈카사블랑카(Casblanca)〉이다. 영화예술의 발전에 큰 공헌을 한 영화로는 오손 웰즈(Orson Welles)의 〈시민케인(Citizen Kane)〉이 있다. 대다수의 미국영화는 오락적이거나 전쟁에 대한 충고적인 내용을 담았다. 1940년대 후반에는 사설탐정물, 갱영화, 전쟁영화 등의 장르가 미국영화의 특징이 되었다 스타 및 스튜디오 시스템이 정착되면서 할리우드는 영화 산업의 최고의 황금기를 맞이한다. 이로 인해 영국 등 유럽에서 상영되는 오락영화는 대부분 미국영화로 철저히 미국에 의해 영화시장이 지배되고 있었다.
6) 네오리얼리즘의 유행(1946년~1955년)
(1) 이태리 네오리얼리즘
이태리의 네오리얼리즘은 강한 사회비판의식과 현실 그대로의 배경과 인물 묘사를 특징으로 한다. 패전국 이태리의 전후 세계를 그린 로베르토 로셀리니(Roberto Rossellini)는 영화 〈전쟁3부작〉에서 억압적 체재에 맞서며 살아가는 보통 사람들의 이야기를 그렸다. 서구 지식인과 젊은이들로부터 큰 반향을 일으켰다. 네오리얼리즘영화는 초기에는 레지스탕스 이야기를 주로 다루었다. 1950년대 들어 사회가 어느 정도 안정되고 경제가 호전되자 흥행부진을 겪고 개인주의적 세계관에 몰입하면서 급격히 퇴조하는 경향을 보였다.
(2) 할리우드의 1950년대 냉전 시대의 광기(미국의 메카시즘2)
미국영화에서 리얼리즘은 사회문제를 주제로 하는 문제영화(problem picture)이다. 1950년대 초까지 계속된 이 경향은 철저한 반공주의의 정치적 반발로 중지된다. 1938년 미국 상·하원 합동으로 반미활동 조사위원회(house committee on un-american activities)를 구성해 1947년부터 미국 내 적색분자 조사 및 색출에 착수했다. 이로 인해 진보주의적, 양심주의적 작가들은 정상적 활동이 금지되었다. 할리우드는 스펙터클과 멜로드라마의 대량 생산에 집중하고 상업주의 중심의 연예 산업 기지로 고착화되어 갔다. 알프레드 히치콕(Alfred Hithcock)감독은 〈현기증(Vertigo)〉, 〈싸이코(phychose)〉로 영화의 미학적 측면에서 큰 영향을 미쳤다.
7) 누벨바그의 새로운 영화기(1956년~1965년)
(1) 영국의 일링코미디 등장
기록영화 전통과 많은 공통점을 가진 일링코미디(ealing comedy)3)가 전후 영국사회에 등장한다. 정치적, 사회적, 경제적, 문화적인 특징의 주제를 다룬 일링코미디는 특별한 희극적 양식을 갖는다. 그것은 주제를 위해 다룬 소재를 부조화와 과장을 통해서 표현한다. 무표정한 얼굴의 심각성, 내밀한 행동, 무심히 내뱉는 대사 등이 그 기법이다.
(2) 프랑스의 누벨바그(nouvelle vague)
1968년 5월 파리혁명이 일어났고 체코 프라하에서는 사회주의로의 개혁 움직임이 있었다. 당시 유럽에서는 좌절감, 절망에 극복하려는 변혁의 요구가 강하게 일어났다. 프랑스의 영화 감독 장뤽 고다르(Jean-Luc Godard), 프랑수아 트뤼포(Francois Truffaut), 끌로드 샤브롤(Claude Chabrol) 등이 침체에 빠진 프랑스 영화인들을 질타했다. 새로운 스타일을 추구하며 새로운 운동 누벨바그를 주도했다. 이 운동은 프랑스에서 주류를 이룸과 세계영화계에도 큰 영향을 미쳤고, 고전영화와 현대 영화의 중요한 분기점이 되었다. 이론적으로는 작가주의론의 배경이 되었다.
장뤽 고다르(Jean-Luc Godard, 1930~)
클로드 샤브롤(Claude Chabrol, 1930~2010)
8) 뉴아메리칸 시네마의 영화혁명기(1966년~1975년)
미국의 1960년대는 시위, 행진, 폭동 등으로 얼룩진 시민 운동과 월남전 반대 운동이 전국적으로 확산되었다. 이러한 저항 운동과 함께 전통을 거부하는 소위 청년 문화(youth culture)가 생겨났다. 자신들을 ‘new american cinema group’으로 자칭하고 표현의 자유를 중시하고 영화에 대한 검열을 전면적으로 부정했다. 이로 인해 MPAA4) 의 회장인 잭 조셉 발렌티(Jack Joseph Valenti)가 발표한 1966년 영화등급 정책은 섹스 묘사 및 폭력 표현도 가능하게 하였다. 이헌 사회 분위기는 새로운 영화의 태동과 할리우드의 시스템을 새롭게 활성화시켰다. 그리고 할리우드 영화가 다시 대중오락 매체로 자리 잡는 데 중요한 계기를 제공했다.
9) 뉴 이미지(new image)영화의 등장기(1976년~1985년)
주요 스튜디오들이 합병되면서 할리우드가 위축되었다. 영화제작 편수는 줄고 대신 규모면에서는 거대해지는 경향을 보였다. 초스펙터클 영화와 공상과학 영화는 어떤 장르의 영화보다 흥행에서 성공적이었다. 영화의 예술적인 효과도 증진되고 있었다. 브라이언 드 팔마(Brian De Palma), 알렌 파큘라(Alan Pakula), 스티븐 스필버그(Steven Spielberg)의 작품들이 다수 등장했다.
1980년대 영국, 프랑스 스위스 등 유럽 작가들은 파리에서 누벨바그를 체험하고 눈을 뜨기 시작했다. 뉴 이미지의 혁명은 할리우드를 수용한 홍콩 영화에 영향을 미쳤다. 철저한 계산으로 이루어진 허구적인 편집으로 감동적인 영화를 생산해냈다.
10) 포스트모던화의 영상시대(1986년~현재)
포스트모던화의 특색은 무척 혼란스럽다. 다국적 영화제작 방식과 복합적 영화장르, 사회구조와 도덕적 관념까지도 해체되는 것이 영화 속에 드러난다. 또한 영화기술의 변혁과 뉴 미디어의 등장은 미래 영화를 지향하고 영상미디어의 다원화를 추구한다.
(1) 아시아 영화의 새 물결
1951년 구로자와 아끼라(黑澤明)감독의 〈라쇼몽(羅生門)〉, 1989년 대만의 후 시아오시엔 감독의 〈비정성시(悲情城市)〉, 2012년 김기덕 감독의 〈피에타〉가 각각 베니스 영화제에서 대상인 황금사자상을 수상했다. 이들 영화는 아시아를 배경으로 역사와 당시 사회, 당시 인간들의 삶을 시대별로 나타낸다. 전통과 문화, 민족과 계급 등 아시아의 독특함을 대변하는 영화로 평가받고 있다. 후진국으로 인식되었던 아시아 영화들이 자신감을 회복하고 아시아 영화가도 세계영화사의 중요한 부분임을 인지했다.
(2) 80년대 할리우드 영화 흥행의 계보
70년대 할리우드는 프란시스 포드 코폴라(Francis Ford Coppola), 마틴 스콜세지(Martin Scorsese), 마이클 치미노(Michael Cimino) 같은 작가주의 감독들이 주도하였고, 조지 루카스(George Lucas), 스티븐 스필버그 감독과 같이 예술성과 상업성을 갖춘 많은 영화들이 등장했다. 80년대 할리우드는 2차 대전을 피하여 미국에 이주한 유럽출신 감독들이 흥행과 예술성에서 두각을 나타냈다.
할리우드로 간 영국의 감독으로는 〈인도로 가는 길(A Passage to India)〉의 데이비드 린(David Ryn), 〈간디〉의 리챠드 아텐보로우(Richard Attenborough)가 있다. 호주의 감독인 피터 위(Peter Weir)의 〈죽은 시인의 사회〉, 영국 출신 토니 스콧(Tony Scott)의 〈탑건〉 등은 오스카를 휩쓸며 할리우드를 주도하였다. 미국 인디출신 감독으로는 〈터미네이터〉의 제임스 카메룬(James Cameron), 〈배트맨〉의 팀버튼(Tim Burton), 〈플래툰〉의 올리버 스톤(Oliver Stone) 등이 현재 할리우드 주력 감독으로 있다.
(3) 여성 영화의 새로운 목소리
여성작가들은 세계 어느 나라에서나 유·무형의 차별 대우를 받는다. 깨어난 여성작가들은 전통적인 가부장적인 세계관을 비판하고 여성에 대한 사회문화적인 편견에 전투적으로 대항하는 영화 연출에 의미를 두었다. 자연 제도권 영화보다는 독립영화, 대항 영화, 실험적 내러티브, 다큐멘터리 쪽이 여성작가들의 주요 활동 무대가 되었다. 90년 들어 일부 여성작가들은 비주류 독립영화에서 상업영화의 틀 속에서 관객들과 소통하려는 시도를 하면서 급진적인 페미니스트로부터 비난받게 된다.
(4) 중국, 제5세대 감독들: 미완의 영화 혁명
제5세대 감독은 문화혁명 이후 등장한 북경 전영학교 출신의 젊은 영화작가들로 네오 리얼리즘을 의미한다. 제5세대 감독은 어린 시절에 문화 혁명이라는 역사적 사건을 몸소 겪었다. 이들은 당시 지식인들이 겪은 ‘하방’5) 체험을 통해 중국민중들의 삶을 생생하게 보고 느꼈다. 그들이 갖는 예술영화의 양식에 내제된 ‘민중성’과 ‘중국인다움’이라는 자기 동일성(idendity) 탐구에 열중했다. ‘민중성’에 대해서는 천카이거(陳凱歌)감독의 84년작 〈황토지〉와 장예모(張藝謀)감독의 〈붉은 수수밭〉이 대표적이며 ‘자기동일성’에 관해서는 〈말도둑(Horse Thief)〉과 〈사냥터(On the Hunting Thief)〉 등이 대표작이다.
(5) 90년대 세계영화의 진보
90년대 들어와 세계가, 세상이 변화되면서 영화 환경도 급속히, 근본적 변화가 일어나고 있다. 특히 미국 영화 산업을 중심으로 영화자본의 거대화, 집중화되어 해외 진출이 가속화되고 다국적화가 보편화되고 있다.
전 세계가 할리우드 영화의 지배 아래 하나의 거대한 시장으로 통합되는 물리적 변화 추세이다. 작품으로서도 중심과 주변의 구별이 모호해졌다. 매스커뮤니케이션 대량보급과 사람·기술·자본의 끊임없는 교류와 동조화 현상으로 유럽과 미국 중심의 국제적 감각이 전 세계로 확대 되었다. 90년대 ‘뉴웨이브’는 과거와 달리 그동안 제3세계로 분류되던 아시아, 아프리카, 일부 동구권 작가들이 더 이상 비주류로 머무르지 않고 전 세계를 대상으로 영화를 만들고 흥행을 시키는 현상이 일어난다. 즉 세계가 하나의 영화 생산기지이자 소비처가 되었음을 의미한다. 앞으로도 세상, 인간, 삶의 변화와 함께 영화도 함께 지속적으로 변하고 발전 할 것이다.
세계영화사
1. 개념 및 정의
영화의 역사는 1895년 12월 28일 프랑스 파리 그랑카페의 지하 인디안 살롱에서 프랑스의 뤼미에르 형제가 시네마토그래프(cinematographe)를 공개하면서 시작되었다. 상영장소는 서커스 무대 같은 초라한 곳이었다. 매체로서는 오락수단으로 출발했으나 교육, 선전(propagandar), 과학 연구의 목적으로 확대되었고, 내용으로서는 본래 가벼운 희극(vaudeville)으로 시작했으나 통속드라마, 강연교재 등의 요소가 뒤섞이며 빠르게 예술적인 차별성을 갖추게 되었다.
영화는 고증을 통하여 시대의 풍속과 무대를 재현하며 당시 사람들의 일상생활을 묘사한다. 영화 역사란 영화의 발전을 기록하는 영화연구의 한 분야이며 역사상 한 시대에 실제로 일어난 일을 다루는 영화의 기록물이다. 이어 영화 역사 연구란 영화의 속에 그려진 과거사를 기술하는 방법론과 기술방법과 관련된 이론이 존재하는가를 탐구하는 것으로 볼 수 있다. 영화 역사에 대한 학문적 연구는 제2차 세계대전 전까지만 하더라도 부분적인 서술이 나타난 데 불과했으나, 종전 이후에는 전면적이고도 과학적인 추구가 시작되었다.
영화 역사의 개념을 세계영화사(世界映畵史, history of world film)로 확대해보면 세계영화사란 영화가 탄생한 이래 지금까지의 세계영화를 역사적으로 중요한 개별 영화 또는 감독, 주요 영화사적 사건 및 주요 사조, 오락·산업·예술 사이의 충돌과 조화의 과정 등을 기준으로 체계적으로 분류하는 것으로 정의 해 볼 수 있다.
세계영화사는 범위가 너무 방대하여 명확하게 정의된 것을 확인하기 어렵다. 단 세계영화사에 관한 주요 저서를 기준으로 개념을 알아보면 전 세계 80명 이상의 영화학자와 영화 평론가들을 참여하여 만든 대표적인 세계영화사 서적인 『옥스퍼드 세계영화사』에서는 주요 영화 강대국들의 영화나 영화 운동, 탁월한 몇몇 개인들의 이력에 초점을 맞추어 서술되었고, 임정택의 『세계영화사 강의』에서는 영화의 역사를 문화·예술사적인 시각에서 서술했다. 잭 씨 앨리스는 『세계영화사』에서는 개별 영화, 여성 영화, 각 주요 국가별 영화사 발전과정, 영화 산업의 흐름 분석 등을 기준으로 분류하였다.
2. 접근방법 및 주요 연구영역
영화 역사의 연구 목적은 영화를 통해 과거의 역사를 읽는 방법, 영화가 역사를 표현하는 방식의 종류, ‘영화는 과연 왜곡된 역사를 다시 새롭게 해석할 수 있는가’ 하는 등의 문제를 다양하고 깊이 있게 연구하는 것이다. 이런 배경을 고려할 때 영화의 역사를 이해하지 못하고 영화를 본 다는 것은 마치 맥락(context)을 모르면서 텍스트(text)를 알려는 것과 마찬가지로 생각된다, 영화를 정확하게 이해하기 위해서는 역사라는 맥락하에 바라보아야 한다.
영화사의 연구대상 분류는 개별 영화발달사, 특정 감독 영화발달사, 장르기준 영화발달사, 특정 국가의 영화발달사, 영화운동과 이론에 미친 역사, 산업과 기술의 발달사 그리고 시기별 발달사로 구분된다.
일부 영화 역사가들은 다양한 기준의 영화사가 존재하며 각각의 역사는 특별한 관심, 경향, 편견에 의해 정의 된다고 주장한다. 영화 역사에 대한 연구의 접근 방법은 크게 시대 별로 일어난 일을 다루는 역사 영화(historical film)와 영화 기술의 발달이 영화예술에 영향을 미치는 영화 기술 역사(history of film technology)로 대별할 수 있다. 추가적으로 예술적 측면에서의 미학적 영화사와 산업적 관점에서의 경제적 영화사 등으로 세분화할 수 있다.
① 사회사적 영화사
당시 관객들의 사회적 현상과 주요 관심사를 관점으로 하여 기술하는 영화 역사이다. 관객의 가치관, 욕망, 두려움 등이 반영되는 영화사로 주로 관객들에게 관심이 많다. 그들은 영화는 집단 경험이 중시하고 주어진 시대의 대중 정서의 반영이라고 강조한다. 또한 그들은 스타에 관심이 많은데 인기 스타가 영화에 대한 가치와 열망을 반영한다고 주장하며 영화가 흑인, 여성, 권위 있는 인물들을 어떻게 그리는가 하는 사회 관행에도 많은 관심이 있다.
② 기술적 관점의 영화사
기술의 발달이 영화 예술에 미친 영화 역사이다. 발명과 기계측면으로 활동사진을 보는 관점이다. 미국 플로리다 주립대 교수인 레이몬드 필딩(Raymond Fielding)은 기술적 관점의 영화사를 ‘영화의 역사는 예술형식으로서, 커뮤니케이션 매체로서, 그리고 산업으로서 기술적 혁신에 의해 주로 결정 된다’고 했다. 제프리 노웰 스미스(Geoffrey Nowell Smith)는 『세계영화사』에서 ‘영화는 기술적 특성에 따라 정의되는 예술 형태’라고 하였다. 이들은 포터블 카메라, 동기음향, 3D, 스테레오 사운드, 스테디 캠 같은 기술혁신의 예술적, 상업적, 이데올로기적 의미에 관심을 갖는다. 영화 기술사에서는 영화 기술과 역사를 포괄적이면서도 핵심적으로 담고 있다. 기술적 측면에서의 영화사에 획기적 전기가 된 것은 유성영화 등장과 컬러의 도입, 디지털 개념의 보편화 등으로 볼 수 있다.
③ 미학적 관점의 영화사
초창기 영화의 예술 형태는 매우 원시적이었다. 서사적(narrative)이며 허구적인(fictional)매체로서 자리 잡고서야 비로소 예술로서의 미학이 언급되기 시작했다. 예술로서의 영화사는 주로 걸작과 거장들의 전통에 관심이 많다. 엘리트주의적인 미학적 역사가들은 작품을 주로 예술적 풍요로움의 입장에서만 평가하고 그 영화가 상업적인 성공 여부에는 상관치 않는 경향이 있다.
④ 경제적 관점의 영화사
영화 역사를 산업으로 보는 관점이다. 영화는 역사상 가장 값비싼 예술매체이고 그 발전은 재정적인 스폰서에 의존해 왔다. 경제적 영화사의 대표적인 사례는 세계영화 산업의 중심인 할리우드의 영화사로 볼 수 있다. 미국의 영화 산업은 자본주의적 생산체계 내에서 발전했다. 할리우드 스튜디오 시스템을 통해 극영화 제작을 독점하고 이익을 극대화하려는 메이저사들의 영화 발전사이기도 하다. 그들은 1925년에서 55년까지 약 30년간 미국 극 영화의 90%를 제작했고 제작, 배급, 상영 세 부분 모두 통제하며 성장한 역사이다. 지금까지도 미국 영화 산업 및 세계영화 산업에 엄청난 영향력을 행사하며 발전을 계속하고 있다.
3. 세계영화의 역사
영화의 기원은 3, 4만년 전의 인간들이 그렸다는 구석기시대 유적인 남프랑스의 라스코(lascaux)동굴의 동물벽화로부터 시작되었다. 비록 정적이지만 인류가 언어 이전에 영상을 발견했고 동적인 것을 표현하려는 강렬한 의지를 가졌음을 보여 준다. 인류의 영화적 표현을 향한 꿈은 그 뒤 환등, 그림자극, 잔상(殘像) 현상을 이용한 장난감이나 움직이는 그림, 사진 등으로 구체화되었다.
1) 영화기술의 성립(1895년~1905년)
조르주 멜리에스(Georges Méliès, 1861~1938)
(1) 활동사진의 등장
영화를 최초로 발명한 사람은 형 오귀스트 마리 루이 니콜라 뤼미에르(Auguste Lumière)와 동생 루이 뤼미에르(Louis Lumière) 프랑스 뤼미에르 형제이다. 1895년 12월 28일 그랑카페에서 뤼미에르 형제는 카메라와 영사기가 일체형인 시네마토그래프(Cinematograph)를 만들어 최초로 대중에게 스크린을 통해 선 보였고 움직이는 이미지의 촬영과 대중적 상영이라는 오늘날 영화와 유사한 최초의 영화로 인정받게 되었다.
미국의 발명왕 토머스 엘버 에디슨(Thomas Alva Edison)도 움직이는 이미지를 촬영하는 키네토그래프(Kinetograph)와 개인 감사용 키네토스코프(Kinetoscope)라는 접안 장치로 구성된 발명품을 소개했다. 에디슨은 사운드 도입과 최초 컬러 영화 탄생에 크게 기여했다.
뤼미에르가 대중의 일상을 다룬 리얼리즘 영화의 창시자라면, 조르주 멜리에스(Georges Méliès)는 표현주의 영화의 창시자로 볼 수 있다. 멜리에스는 최초로 시나리오를 활용하고 하여 특수효과에 문학적, 연극적 요소들을 가미하여 내러티브를 도입한 영화를 만들었다. 그의 대표작 〈달나라여행(Voyage to the Moon)〉은 상영시간 13분, 30여 숏으로 구성된 최초의 ‘공상과학 영화’로 일컬어진다.
2) 예술로서의 영화 성장(1906년~1915년)
(1) 필름다르 운동
프랑스의 필름다르(Film d’Art)라는 영화사는 유명한 연극 배우들이 등장한 성공적인 연극들을 영화화한 최초의 영화사였다. 필름다르는 전체 연극의 상연을 그대로 기록하기 위해 열두 번째 열 중앙에 카메라를 배치하고 연극의 배경과 배우의 ‘들여다보기’ 연기를 하나의 숏으로 촬영하였다.
(2) 이태리의 스펙터클 영화
이태리 최초의 스펙터클 영화는 〈폼페이 최후의 날(The Last Day of Pompeii)〉이며 〈쿼 바디스(Quo Vadis)〉도 대단히 성공적인 영화였다. 이태리 스펙터클 영화는 거대한 세트와 석고모형이 사용되었다. 생동하는 연기와 촬영기법 그리고 특별히 작곡된 교향악과 함께 미국영화의 장편영화 제작에 절대적인 영향을 미쳤다. 당시 세계영화시장의 주도권은 이태리가 거머쥐었으나 얼마 후 발발한 제1차 세계대전에 의해 상실되고 할리우드가 주도권을 행사하게 되었다.
3) 전달매체로서 표현기법 확립(1916년~1925년)
(1) 미국영화의 스펙타클
미국의 영화감독 데이비드 그리피스(David Wark Griffith)감독의 〈국가의 탄생(The Birth of Nations)〉과 〈인톨러런스(Intolerance)〉는 전례가 없는 미국영화의 대표적인 스펙터클 영화이다. 이는 1920년대 미국 무성영화의 대표적 표현기법이다.
(2) 독일의 표현주의 영화
독일의 표현파 영화들은 사회적 현실로부터 탈피하여 심리학적 표현에 더 관심을 기울였다. 이를 위해 카메라 테크닉이나 조명, 무대장치, 연기 그리고 대본 등에서 혁신적인 기법을 사용했다. 예술적 완성도를 통해 독일의 이미지를 세계에 과시하고자 하는 독일정부의 정책과 일치되어 독일의 표현파 영화는 국가적 영화로 성장하게 되었다.
(3) 소련의 몽타주 영화
1917년 세계 최초로 등장한 사회주의 정권은 새로운 사회 건설을 독려했다. 영화를 선전매체로 적극 활용함으로써 소련의 영화 역사가 시작되었다. 세르게이 에이젠스테인(Serge Eisenstein), 푸돕킨(Vsevolod Illarionovich Pudovkin) 등 혁명세대 감독들의 극영화와 지가 베르토프(Dziga Vertov)의 실험적 다큐멘터리가 다수 등장하면서 1920년대 소련 영화의 전성기를 맞이했다. 세르게이 에이젠스테인의 〈전함 포템킨(Potemkin)〉은 충돌 몽타주의 고전이자 진수가 되었다
(4) 프랑스 예술영화
1920년대의 프랑스의 인상주의 영화 예술가들은 카메라와 세트 구성을 주관적으로 사용하여 영화의 시각적 내용을 강조하였다. 그들의 영화에는 소프트 포커스, 이중 인화, 극단적인 카메라 앵글 등이 자주 나타난다. 인상주의 영화 작가들과 함께 작업하면서 그 이상으로 기술적이며 형식적 실험을 시도한 제2의 아방가르드(avant-grade)그룹의 영화운동이 1925년을 전후해서 시작되었다. 1920년대 말 프랑스의 아방가르드 영화가 종말을 고하면서 1930년대 유럽의 기록영화가 등장했다.
4) 유성영화 시대 도래(1926년~1935년)
1929년 월가 증권시장의 붕괴로 시작된 미국의 대공황(the great depression)은 대중들의 삶이 궁핍해졌지만 역설적으로 관객은 영화를 더 보게 되었다. 오히려 위상이 강화된 할리우드 영화 산업은 기술, 자본, 흥행 면에서 더욱 확대되었다. 영화〈재즈 가수〉가 성공을 거두면서 음성 영화가 정착되었다. 1930년대 미국영화의 특징적인 장르는 뮤지컬, 웨스턴, 연애 코미디, 갱스터 등 당대 현실과는 유리된 도피주의적 오락물이 중심이 되었다. 1932년부터 시작된 후시녹음의 기술방식은 1935년 옵티컬 사운드(optical sound)1) 녹음으로 영화의 예술적 성숙도를 높였다.
5) 미국영화 산업화 시대(1936년~1945년)
제 2차 세계대전 중의 할리우드는 1930년대의 희극물, 로맨스, 가족드라마 그리고 뮤지컬 영화들을 계속 제작하였다. 좋은 예는 전쟁에 대한 분위기가 적당히 가미된 마할리 커티즈(Michael Curtiz)의 〈카사블랑카(Casblanca)〉이다. 영화예술의 발전에 큰 공헌을 한 영화로는 오손 웰즈(Orson Welles)의 〈시민케인(Citizen Kane)〉이 있다. 대다수의 미국영화는 오락적이거나 전쟁에 대한 충고적인 내용을 담았다. 1940년대 후반에는 사설탐정물, 갱영화, 전쟁영화 등의 장르가 미국영화의 특징이 되었다 스타 및 스튜디오 시스템이 정착되면서 할리우드는 영화 산업의 최고의 황금기를 맞이한다. 이로 인해 영국 등 유럽에서 상영되는 오락영화는 대부분 미국영화로 철저히 미국에 의해 영화시장이 지배되고 있었다.
6) 네오리얼리즘의 유행(1946년~1955년)
(1) 이태리 네오리얼리즘
이태리의 네오리얼리즘은 강한 사회비판의식과 현실 그대로의 배경과 인물 묘사를 특징으로 한다. 패전국 이태리의 전후 세계를 그린 로베르토 로셀리니(Roberto Rossellini)는 영화 〈전쟁3부작〉에서 억압적 체재에 맞서며 살아가는 보통 사람들의 이야기를 그렸다. 서구 지식인과 젊은이들로부터 큰 반향을 일으켰다. 네오리얼리즘영화는 초기에는 레지스탕스 이야기를 주로 다루었다. 1950년대 들어 사회가 어느 정도 안정되고 경제가 호전되자 흥행부진을 겪고 개인주의적 세계관에 몰입하면서 급격히 퇴조하는 경향을 보였다.
(2) 할리우드의 1950년대 냉전 시대의 광기(미국의 메카시즘2)
미국영화에서 리얼리즘은 사회문제를 주제로 하는 문제영화(problem picture)이다. 1950년대 초까지 계속된 이 경향은 철저한 반공주의의 정치적 반발로 중지된다. 1938년 미국 상·하원 합동으로 반미활동 조사위원회(house committee on un-american activities)를 구성해 1947년부터 미국 내 적색분자 조사 및 색출에 착수했다. 이로 인해 진보주의적, 양심주의적 작가들은 정상적 활동이 금지되었다. 할리우드는 스펙터클과 멜로드라마의 대량 생산에 집중하고 상업주의 중심의 연예 산업 기지로 고착화되어 갔다. 알프레드 히치콕(Alfred Hithcock)감독은 〈현기증(Vertigo)〉, 〈싸이코(phychose)〉로 영화의 미학적 측면에서 큰 영향을 미쳤다.
7) 누벨바그의 새로운 영화기(1956년~1965년)
(1) 영국의 일링코미디 등장
기록영화 전통과 많은 공통점을 가진 일링코미디(ealing comedy)3)가 전후 영국사회에 등장한다. 정치적, 사회적, 경제적, 문화적인 특징의 주제를 다룬 일링코미디는 특별한 희극적 양식을 갖는다. 그것은 주제를 위해 다룬 소재를 부조화와 과장을 통해서 표현한다. 무표정한 얼굴의 심각성, 내밀한 행동, 무심히 내뱉는 대사 등이 그 기법이다.
(2) 프랑스의 누벨바그(nouvelle vague)
1968년 5월 파리혁명이 일어났고 체코 프라하에서는 사회주의로의 개혁 움직임이 있었다. 당시 유럽에서는 좌절감, 절망에 극복하려는 변혁의 요구가 강하게 일어났다. 프랑스의 영화 감독 장뤽 고다르(Jean-Luc Godard), 프랑수아 트뤼포(Francois Truffaut), 끌로드 샤브롤(Claude Chabrol) 등이 침체에 빠진 프랑스 영화인들을 질타했다. 새로운 스타일을 추구하며 새로운 운동 누벨바그를 주도했다. 이 운동은 프랑스에서 주류를 이룸과 세계영화계에도 큰 영향을 미쳤고, 고전영화와 현대 영화의 중요한 분기점이 되었다. 이론적으로는 작가주의론의 배경이 되었다.
장뤽 고다르(Jean-Luc Godard, 1930~)
8) 뉴아메리칸 시네마의 영화혁명기(1966년~1975년)
미국의 1960년대는 시위, 행진, 폭동 등으로 얼룩진 시민 운동과 월남전 반대 운동이 전국적으로 확산되었다. 이러한 저항 운동과 함께 전통을 거부하는 소위 청년 문화(youth culture)가 생겨났다. 자신들을 ‘new american cinema group’으로 자칭하고 표현의 자유를 중시하고 영화에 대한 검열을 전면적으로 부정했다. 이로 인해 MPAA4) 의 회장인 잭 조셉 발렌티(Jack Joseph Valenti)가 발표한 1966년 영화등급 정책은 섹스 묘사 및 폭력 표현도 가능하게 하였다. 이헌 사회 분위기는 새로운 영화의 태동과 할리우드의 시스템을 새롭게 활성화시켰다. 그리고 할리우드 영화가 다시 대중오락 매체로 자리 잡는 데 중요한 계기를 제공했다.
9) 뉴 이미지(new image)영화의 등장기(1976년~1985년)
주요 스튜디오들이 합병되면서 할리우드가 위축되었다. 영화제작 편수는 줄고 대신 규모면에서는 거대해지는 경향을 보였다. 초스펙터클 영화와 공상과학 영화는 어떤 장르의 영화보다 흥행에서 성공적이었다. 영화의 예술적인 효과도 증진되고 있었다. 브라이언 드 팔마(Brian De Palma), 알렌 파큘라(Alan Pakula), 스티븐 스필버그(Steven Spielberg)의 작품들이 다수 등장했다.
1980년대 영국, 프랑스 스위스 등 유럽 작가들은 파리에서 누벨바그를 체험하고 눈을 뜨기 시작했다. 뉴 이미지의 혁명은 할리우드를 수용한 홍콩 영화에 영향을 미쳤다. 철저한 계산으로 이루어진 허구적인 편집으로 감동적인 영화를 생산해냈다.
10) 포스트모던화의 영상시대(1986년~현재)
포스트모던화의 특색은 무척 혼란스럽다. 다국적 영화제작 방식과 복합적 영화장르, 사회구조와 도덕적 관념까지도 해체되는 것이 영화 속에 드러난다. 또한 영화기술의 변혁과 뉴 미디어의 등장은 미래 영화를 지향하고 영상미디어의 다원화를 추구한다.
(1) 아시아 영화의 새 물결
1951년 구로자와 아끼라(黑澤明)감독의 〈라쇼몽(羅生門)〉, 1989년 대만의 후 시아오시엔 감독의 〈비정성시(悲情城市)〉, 2012년 김기덕 감독의 〈피에타〉가 각각 베니스 영화제에서 대상인 황금사자상을 수상했다. 이들 영화는 아시아를 배경으로 역사와 당시 사회, 당시 인간들의 삶을 시대별로 나타낸다. 전통과 문화, 민족과 계급 등 아시아의 독특함을 대변하는 영화로 평가받고 있다. 후진국으로 인식되었던 아시아 영화들이 자신감을 회복하고 아시아 영화가도 세계영화사의 중요한 부분임을 인지했다.
(2) 80년대 할리우드 영화 흥행의 계보
70년대 할리우드는 프란시스 포드 코폴라(Francis Ford Coppola), 마틴 스콜세지(Martin Scorsese), 마이클 치미노(Michael Cimino) 같은 작가주의 감독들이 주도하였고, 조지 루카스(George Lucas), 스티븐 스필버그 감독과 같이 예술성과 상업성을 갖춘 많은 영화들이 등장했다. 80년대 할리우드는 2차 대전을 피하여 미국에 이주한 유럽출신 감독들이 흥행과 예술성에서 두각을 나타냈다.
할리우드로 간 영국의 감독으로는 〈인도로 가는 길(A Passage to India)〉의 데이비드 린(David Ryn), 〈간디〉의 리챠드 아텐보로우(Richard Attenborough)가 있다. 호주의 감독인 피터 위(Peter Weir)의 〈죽은 시인의 사회〉, 영국 출신 토니 스콧(Tony Scott)의 〈탑건〉 등은 오스카를 휩쓸며 할리우드를 주도하였다. 미국 인디출신 감독으로는 〈터미네이터〉의 제임스 카메룬(James Cameron), 〈배트맨〉의 팀버튼(Tim Burton), 〈플래툰〉의 올리버 스톤(Oliver Stone) 등이 현재 할리우드 주력 감독으로 있다.
(3) 여성 영화의 새로운 목소리
여성작가들은 세계 어느 나라에서나 유·무형의 차별 대우를 받는다. 깨어난 여성작가들은 전통적인 가부장적인 세계관을 비판하고 여성에 대한 사회문화적인 편견에 전투적으로 대항하는 영화 연출에 의미를 두었다. 자연 제도권 영화보다는 독립영화, 대항 영화, 실험적 내러티브, 다큐멘터리 쪽이 여성작가들의 주요 활동 무대가 되었다. 90년 들어 일부 여성작가들은 비주류 독립영화에서 상업영화의 틀 속에서 관객들과 소통하려는 시도를 하면서 급진적인 페미니스트로부터 비난받게 된다.
(4) 중국, 제5세대 감독들: 미완의 영화 혁명
제5세대 감독은 문화혁명 이후 등장한 북경 전영학교 출신의 젊은 영화작가들로 네오 리얼리즘을 의미한다. 제5세대 감독은 어린 시절에 문화 혁명이라는 역사적 사건을 몸소 겪었다. 이들은 당시 지식인들이 겪은 ‘하방’5) 체험을 통해 중국민중들의 삶을 생생하게 보고 느꼈다. 그들이 갖는 예술영화의 양식에 내제된 ‘민중성’과 ‘중국인다움’이라는 자기 동일성(idendity) 탐구에 열중했다. ‘민중성’에 대해서는 천카이거(陳凱歌)감독의 84년작 〈황토지〉와 장예모(張藝謀)감독의 〈붉은 수수밭〉이 대표적이며 ‘자기동일성’에 관해서는 〈말도둑(Horse Thief)〉과 〈사냥터(On the Hunting Thief)〉 등이 대표작이다.
(5) 90년대 세계영화의 진보
90년대 들어와 세계가, 세상이 변화되면서 영화 환경도 급속히, 근본적 변화가 일어나고 있다. 특히 미국 영화 산업을 중심으로 영화자본의 거대화, 집중화되어 해외 진출이 가속화되고 다국적화가 보편화되고 있다.
전 세계가 할리우드 영화의 지배 아래 하나의 거대한 시장으로 통합되는 물리적 변화 추세이다. 작품으로서도 중심과 주변의 구별이 모호해졌다. 매스커뮤니케이션 대량보급과 사람·기술·자본의 끊임없는 교류와 동조화 현상으로 유럽과 미국 중심의 국제적 감각이 전 세계로 확대 되었다. 90년대 ‘뉴웨이브’는 과거와 달리 그동안 제3세계로 분류되던 아시아, 아프리카, 일부 동구권 작가들이 더 이상 비주류로 머무르지 않고 전 세계를 대상으로 영화를 만들고 흥행을 시키는 현상이 일어난다. 즉 세계가 하나의 영화 생산기지이자 소비처가 되었음을 의미한다. 앞으로도 세상, 인간, 삶의 변화와 함께 영화도 함께 지속적으로 변하고 발전 할 것이다.